Vier Lesepunkte zu Núria Bartés Abella es Bildwerk
1. Der Triumph der Individualität
Man erinnere sich nicht noch einmal daran, dass Núria Bartés Abella aus der Saga stammt. Sie kennt die Tradition und die Wirklichkeit, die sie umgibt, von der sie ihre persönliche Sensibilität gegenüber den Künsten und der Kraft der Kreativität geerbt hat. Im Gegensatz dazu möchte ich die Wahl der Meisterschaft Sanvisens, die ständige Suche nach Sprache, ihre unaufhaltsame Berufung und ihre Arbeitsfähigkeit hervorheben. All das gibt uns heute die Kontemplation und den Genuss einer anlogischen Probe, die wir mit der Neugier der Entdeckung oder mit dem Vergnügen der Wiedervereinigung mit einer gefestigten und einzigartigen Plastikarbeit erleben. Wir feiern den Triumph der Individualität und das Erreichen einer künstlerischen Reife, die einen Meilenstein markiert und sich weiter öffnet.
2. Farbe vergisst die Form
Núria Barta es Painting zeigt, in welchem Ausmaß Gefühle die Farbe verzeihen, sie löscht sie, bis sie im fairen Maß des Blicks der Künstlerin ist. Sie hebt ihre Arbeit als einen rhythmischen und ausgewogenen Kampf zwischen Form und Farbe, in dem die Gemälde fest profilieren, AKMB will de Permanencia, auf einem disziplinierten Arbeitsweg. Er verfolgt die Schönheit, indem er die Spannung in der "Farbe Gewalt" kreiert und erforscht – wie er in den Anfängen des Malers den Schriftsteller Ramon Planes auf seiner "Walking Card" schrieb. Die Farbe herrscht vor, weil sie zur Sprache geworden ist, und schließlich ist es die Komponente, die auf der Leinwand triumphiert und die Form an der richtigen Stelle gestaltet, die der Künstler sieht. Die Plasmatur des Schire ist figurativ von der Arbeit mit der Farbe und Materialität der Malerei charakterisiert den evolutionären Prozess von Núria Bartés von den Gemälden der siebziger und achtziger Jahre bis zur Arbeit der aktuellen Rechnung.
3. Auflösung der Form, Figuration in Farbe
Die Temática-Gemälde von Núria bartés behandeln Themen, die ihr größere Ausdrucksmöglichkeiten geben: Die menschliche Figur, vorzugsweise weiblich-und nicht unbedingt porträtiert-; Die toten Naturen; Früchte und Blumen; Religiosität und Populärkultur; Die Landschaft ... Das gemeinsame Merkmal der präsentierten Arbeiten ist die fortschreitende Auflösung der Form zugunsten der Erlangung der Figuration durch Farbe.
Es gibt eine formale thematische Korrelation zwischen den Stillleben, den Früchten, den Blumen und den Kompositionen, in denen diese Elemente konkrete Präsenzen und klar abgegrenzte Objektiv-Belfry (1985), Still-Leben mit Partridge (1988), Clavell (1995) zeigen. )-zusammen mit Elementen, die zeigen, wie arrestes und Umrisse einer chromatischen Vormachtstellung, in der sie auftauchen, Platz machen, sogar die Urprofiles-Composition (2003), Still with Apples (2004), Ceps (2010) und Peonies (2010).
Die Natur zeigt sich in ihrer Nacktheit, in der die Farbe eindringt und die Versuchung nachahmt – The Embryonic Tree (2008), Castellot (2009), Light and Water (2010)-bis La Gest (2010)-. Es ist auch in der Behandlung der Landschaft zu sehen. Bestimmte Formen wie San Sebastian Beach (1985), Can Puig (1990) oder Les Llambardes (2001) wurden nach und nach in Farbe geerntet, wie in Cova (2004), Paisatge (2007) oder Sorre and Sea (2009) zu sehen ist.
Der Umgang mit Themen, die aus der Volksmehrheit und der traditionellen oder mythischen Kultur kommen, folgt im Großen und Ganzen den gleichen Merkmalen, obwohl sie von der eigentlichen Bedeutung der Figuration interpretiert Castellers (1993) nunzen, ist eine Momentaufnahme. Impresionista nimmt wahrscheinlich, um die Cap de la Vila, die alle ihre intensive visuelle Wirkung behält: Ansonsten zwischen Escolanet (2002), Festa del Vinyet (2004), Bacus (2004), San Bartolomé (2005) und Karneval (2010), beobachten wir die wachsende Kraft eindringen und Farbverschwommene.
Der Umgang mit der menschlichen Figur, vor allem weiblich, stellt einen der bemerkenswertesten Aspekte der Anthologischen Probe von Núria Bartés Abella dar und ist das Feld, in dem die Dialektik zwischen Abstraktion und Figuration den meisten Contravertida-Kampf zeigt. Als Mehrwert zeigt er auch einen Dekanter in der Behandlung einiger Werke wie Monxi (1983), Nap (1985), Elsa (1986), Sleeping (1987) bis Lola (1995). Intimität, Melancholie und Ruhe sind drei Momente der Introspektion der Künstlerin, die ihre persönliche Vision von der Welt der Frauen bestätigt.
Zwei Werke aus der jüngsten Gemäldebühne von Núria Bartés, Ombres (2004) und Sitges at Night (2010) werden in der gesamten kreativen Erfahrung symbolträchtig; Ein Zusammenfluss von allem, was in den Proben, an denen er teilgenommen hat, konkretisierte; Ein offener Horizont ohne andere Bedingungen, die den eigenen Willen haben. Josep Maria Soler I Soler schrieb, dass "Dignifies, was dem Blick zur Verfügung steht".
Das Gemälde als kreative Haltung, wie der Rest der Künste, wie das Schreiben, hat viel Introspektion und Intimität. Das ist der Grund, warum Ramon Planes schrieb, dass Núria Bartés "für sie malt", und es ist wahr. Er malt aus Gefühlen, wie auch sich selbst bekennt. Das am Anfang verborgene Werk wurde mit der Komplizenschaft von Zeit und Mühe bekannt gemacht. Es ist ein ehrliches und aufrichtiges Gemälde, in dem es keinen Betrug gibt und ja, die Breite des Geistes derer, die wissen, wie man in jeder der Etappen und Meilensteine der Reise die Fülle des kreativen Prozesses zu leben und zu erreichen
Vinyet Panyella
(Katalanischer Verband der Kunstkritiker)
Einführung in die Cataleg Retrospektive Ausstellung von Núria Bartés (1972-2010)
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